Kinetische Kunst

FONT SIZE:

März 4, 2016 Geerd Rosenkranz K 0 36

Kinetische Kunst ist Kunst von jedem Medium, das die Bewegung wahrnehmbar durch den Betrachter enthält, oder abhängig von Bewegung für seine Wirkung. Leinwand Gemälde, die Perspektive des Bildes des Betrachters zu verlängern und integrieren multidimensionale Bewegung sind die ersten Beispiele der kinetischen Kunst. Mehr treffend gesagt, ist der kinetischen Kunst ein Begriff, der heute am häufigsten bezieht sich auf dreidimensionale Skulpturen und Figuren wie Handys, die natürlich bewegen oder sind in der Maschine betrieben. Die beweglichen Teile sind in der Regel durch Wind, einem Motor oder Beobachter angetrieben. Kinetische Kunst umfasst eine Vielzahl von überlappenden Techniken und Stilen.

Es gibt auch einen Teil der kinetischen Kunst, die virtuelle Bewegung, oder besser gesagt die Bewegung nur aus bestimmten Winkeln oder Teilbereiche der Arbeit wahrgenommen umfasst. Dieser Begriff kollidiert auch häufig mit dem Begriff "scheinbare Bewegung", die viele Personen bei Bezugnahme auf ein Kunstwerk, dessen Bewegung von den Motoren, Maschinen oder elektrisch betriebene Systeme erstellt. Beide scheinbare und virtueller Bewegung sind Arten der kinetischen Kunst, die erst vor kurzem wurden als Arten der Op-Art argumentiert worden. Das Ausmaß der Überlappung zwischen kinetischer und Op-Art ist nicht signifikant genug, Künstlern und Kunsthistorikern zu prüfen, die Zusammenlegung der beiden Arten unter einem Dach Begriff, aber es gibt Unterschiede, die noch nicht durchgeführt werden.

"Kinetic art" als Moniker aus einer Reihe von Quellen, entwickelt. Kinetische Kunst hat ihren Ursprung in den späten 1800er Jahren impressionistischen Künstlern wie Claude Monet, Edgar Degas und Édouard Manet, der ursprünglich mit Akzentuierung der Bewegung des menschlichen Figuren auf Leinwand experimentiert. Das Dreigestirn der impressionistischen Maler alle versucht, Kunst, lebensechter als ihre Zeitgenossen war zu schaffen. Degas Tänzerin und Rennpferd Porträts sind Beispiele dafür, was er glaubte, um "Fotorealismus" sein; Künstler wie Degas in den späten 1800er Jahren hatte das Bedürfnis, die Bewegung in Richtung Fotografie mit lebendigen, cadenced Landschaften und Porträts herausfordern.

Durch den frühen 1900er Jahren wuchs bestimmte Künstler näher und näher an zuzuschreiben ihre Kunst, um dynamische Bewegung. Naum Gabo, einer der beiden Künstler für die Namensgebung dieser Stil zugeschrieben, schrieb häufig über seine Arbeit als Beispiele für "kinetische Rhythmus". Er spürte, dass seine bewegten Skulptur Kinetic Bau war das erste seiner Art im 20. Jahrhundert. Von den 1920er Jahren bis in die 1960er, wurde der Stil der kinetischen Kunst von einer Reihe von anderen Künstlern, die mit Handys und neue Formen der Skulptur experimentiert umgestaltet.

Entstehung und frühe Entwicklung

Die von Künstlern Fortschritte zu "heben Sie die Zahlen und die Landschaft außerhalb der Seite und beweisen unbestreitbar, dass die Kunst ist nicht starr" nahm wesentliche Neuerungen und Änderungen in der Kompositionsstil. Édouard Manet, Edgar Degas und Claude Monet waren die drei Künstlerinnen der 1800er, die jene Änderungen der impressionistischen Bewegung eingeleitet. Auch wenn sie jeder nahm einzigartige Ansätze für die Einbeziehung Bewegung in ihren Werken, taten sie dies mit der Absicht, ein Realist. Im gleichen Zeitraum, Auguste Rodin war ein Künstler, dessen Frühwerk sprach zur Unterstützung der Entwicklung von kinetischen Bewegung in der Kunst. Allerdings Auguste Rodin spätere Kritik der Bewegung indirekt in Frage gestellt die Fähigkeiten von Manet, Degas, Monet und behauptete, dass es unmöglich ist, einen Moment genau zu erfassen in der Zeit und geben ihm die Lebenskraft, die im realen Leben zu sehen ist.

Édouard Manet

Es ist fast unmöglich zuschreiben Manets Arbeiten einem Zeitalter oder Stil der Kunst. Eines seiner Werke, die wirklich an der Schwelle eines neuen Stils ist Le Ballet Espagnol. Der Figuren Konturen stimmen mit ihren Gesten als eine Möglichkeit zur Tiefe in Bezug zueinander und in Bezug auf die Einstellung vor. Manet hebt auch den Mangel an Gleichgewicht in dieser Arbeit an den Betrachter, dass er oder sie ist auf dem Rand des einen Moment, dass Sekunden entfernt von vorbei ist zu projizieren. Die unscharfen, verschwommenen Sinn für Farben und Schatten in dieser Arbeit in ähnlicher Weise stellen den Betrachter in einem flüchtigen Moment.

Im Jahr 1863 erweiterte Manet sein Studium der Bewegung auf flachen Leinwand mit Le déjeuner sur l'herbe. Das Licht, Farbe und Zusammensetzung sind die gleichen, aber er fügt eine neue Struktur für die Hintergrundfiguren. Die Frau Biegen im Hintergrund nicht vollständig skaliert, als wäre sie weit weg von den Figuren im Vordergrund. Der Mangel an Abstand Manets Methode zur Erstellung von Momentaufnahme, in der Nähe-invasive Bewegung ähnlich wie seine Verwischung der Vordergrundobjekte in Le Ballet Espagnol.

Edgar Degas

Edgar Degas wird angenommen, dass die intellektuelle Erweiterung der Manet, aber radikaleren für die impressionistischen Gemeinschaft zu sein. Degas 'Themen sind der Inbegriff des impressionistischen Epoche; er findet große Inspiration in Bilder der Balletttänzer und Pferderennen. Seine "moderne Themen" niemals verdeckt sein Ziel der Schaffung beweglichen Kunst. In seinem 1860 Stück Feunes Spartiaten S'exercant einem la Lute, profitiert er von den klassischen Impressionismus Akt, sondern erweitert das Gesamtkonzept. Er legt sie in einer flachen Landschaft und gibt ihnen dramatischen Gesten und ihm dies deutete auf ein neues Thema "Jugend in Bewegung".

Einer seiner revolutionärsten Werke, L'Orchestre de l'Opera interpretiert Formen deutliche Bewegung und gibt ihnen mehrdimensionale Bewegung über die Flachheit der Leinwand. Er positioniert das Orchester direkt in den Raum des Betrachters, während die Tänzer vollständig zu füllen den Hintergrund. Degas mit dem impressionistischen Stil der Kombination von Bewegung anspielend, aber fast neu definiert, es in einer Weise, die nur selten in den späten 1800er Jahren zu sehen war. In den 1870er Jahren, Degas setzt diesen Trend durch seine Liebe zu einem Schuss Bewegungspferderennen in Werken wie Voiture aux Kurse.

Es war nicht bis 1884 mit Chevaux de Course, dass sein Versuch, die Erstellung von dynamischen Kunst zum Tragen kamen. Diese Arbeit ist Teil einer Serie von Pferderennen und Polo-Spiele, wobei die Zahlen sind gut in die Landschaft integriert. Die Pferde und ihre Besitzer sind wie in einem Moment intensiver Beratung gefangen und dann trottet weg beiläufig in anderen Frames dargestellt. Die Impressionisten und die allgemeine künstlerische Gemeinschaft waren sehr beeindruckt von dieser Serie, aber sie waren auch schockiert, als sie erkannte, dass er auf der Basis dieser Serie auf aktuelle Fotos. Degas 'nicht durch die Kritik an seiner Integration der Fotografie Ruhe bringen, und es tatsächlich inspiriert Monet auf ähnliche Technologie verlassen.

Claude Monet

Degas und Monet-Stil war in einer Art und Weise sehr ähnlich: beide stützten ihre künstlerische Interpretation auf eine direkte "Netzhauteindruck", um das Gefühl der Veränderung und Bewegung in ihrer Kunst zu schaffen. Die Themen oder Bilder, die die Grundlage ihrer Bilder waren kam von einem objektiven Blick auf die Welt. Wie bei Degas, betrachten viele Kunsthistoriker, dass auf das Unterbewusstsein Wirkung Fotografie sein mussten in diesem Zeitraum. Sein 1860er Jahren Werke spiegelt viele der Zeichen der Bewegung, die in Degas 'und Manets Arbeiten sichtbar sind.

1875 wird Monets Touch sehr schnell in seiner neuen Serie, beginnend mit Le Bateau-Atelier su Seine. Die Landschaft fast verschlingt die ganze Leinwand und genügend Bewegung von seiner ungenauen Pinselstrichen, die die Zahlen sind ein Teil der Bewegung ausgeht. Dieses Gemälde zusammen mit Gare Saint-Lazare, erweist sich in vielen Kunsthistorikern, die Monet wurde neu definiert den Stil der Impressionisten-Ära. Impressionismus wurde zunächst durch die Isolierung Farbe, Licht und Bewegung definiert. In den späten 1870er Jahren, hatte Monet einen Stil, der alle drei kombiniert, und gleichzeitig eine Konzentration auf die beliebtesten Themen der impressionistischen Zeit Pionierarbeit geleistet. Künstler waren oft so durch Monets wispy Pinselstrichen, die es war mehr als Bewegung in seinen Bildern, doch eine markante Vibrations geschlagen.

Auguste Rodin

Auguste Rodin auf den ersten war sehr beeindruckt von Monets "schwing Werke 'und Degas' einzigartige Verständnis der räumlichen Beziehungen. Als Künstler und Autor von Kunst Bewertungen, Rodin veröffentlichte mehrere Werke unterstützen diesen Stil. Er behauptete, dass Monet und Degas 'Arbeit die Illusion ", das Kunst fängt das Leben durch gute Modellierung und Bewegung". In 1881, als Rodin ersten Skulpturen und seiner eigenen Kunstwerke hergestellt, wies er seinen früheren Vorstellungen. Sculpting setzen Rodin in eine missliche Lage, dass er fühlte keine Philosoph noch jemand jemals lösen könnte; Wie können Künstler vermitteln Bewegung und dramatische Bewegungen von Werken so solide wie Skulpturen? Danach Rätsel fiel ihm veröffentlichte er neue Artikel, die nicht Männer wie Manet, Monet und Degas absichtlich angreifen wollte, aber vermehrt seine eigenen Theorien, dass Impressionismus nicht über die Kommunikation Bewegung, sondern präsentiert sie in statischer Form.

Surrealismus des 20. Jahrhunderts und frühen kinetischen Kunst

Die surrealistischen Stil der 1900er Jahre schuf einen einfachen Übergang in den Stil der kinetischen Kunst. Alle Künstler nun erforscht Gegenstand, der nicht sozial akzeptabel künstlerisch darzustellen gewesen. Künstler ging über ausschließlich malt Landschaften oder historische Ereignisse, und hatte das Bedürfnis, in den weltlichen und den extremen, um neue Stile zu interpretieren vertiefen. Mit der Unterstützung von Künstlern wie Albert Gleizes, andere Avantgarde-Künstler wie Jackson Pollock und Max Bill fühlte sich, als ob sie neue Inspiration gefunden zu haben, um Kuriositäten, die im Mittelpunkt der kinetischen Kunst wurde zu entdecken.

Albert Gleizes

Gleizes wurde als die ideale Philosoph der späten 1800er und frühen 1900er Jahren Kunst in Europa und insbesondere Frankreich. Seine Theorien und Abhandlungen aus dem Jahre 1912 auf dem Kubismus gab ihm einen renommierten Ruf in jeder künstlerischen Auseinandersetzung. Dieser Ruf ist das, was ihm erlaubt, mit beträchtlichem Einfluss zu handeln, wenn die Unterstützung der Kunststoff-Stil oder die rhythmische Bewegung der Kunst in den 1910er und 1920er Jahren. Gleizes veröffentlichte eine Theorie über die Bewegung, die weiter artikuliert seine Theorien über die psychologischen, künstlerische Anwendungen der Bewegung in Verbindung mit der Mentalität, die, wenn man Bewegung entsteht. Gleizes behauptet immer wieder in seinen Publikationen, die menschliche Schöpfung bedeutet die Gesamt Verzicht auf externe Sensation. Das ist für ihn, was machte Kunstmobil, wenn viele, einschließlich Rodin, es war starr und unbeirrt unbeweglich.

Gleizes erste betonte die Notwendigkeit für Rhythmus in der Kunst. Für ihn bedeutete die Rhythmus visuell angenehme Zusammentreffen von Figuren in einem zweidimensionalen oder dreidimensionalen Raum. Zahlen sollten mathematisch beabstandet sein, oder systematisch, so daß sie schienen miteinander interagieren. Die Zahlen sollten auch nicht über Funktionen, die zu bestimmt sind. Sie benötigen, um Formen und Zusammensetzungen, die fast nicht klar sind, haben, und von dort aus kann der Betrachter glaubt, dass die Zahlen selbst sind in diesem geschlossenen Raum bewegt. Er wollte, Gemälde, Skulpturen, und selbst die flachen Werke von Künstlern der Mitte des 19. Jahrhunderts zu zeigen, wie Zahlen könnten auf den Betrachter, dass es große Bewegung in einem bestimmten Raum enthalten verleihen. Als Philosoph, Gleizes ebenfalls untersucht den Begriff der künstlerischen Bewegung, und wie diese an den Betrachter appelliert. Gleizes aktualisiert seine Studien und Publikationen durch die 1930er Jahre, wie kinetische Kunst wurde immer beliebter.

Jackson Pollock

Wenn Pollock schuf viele seiner berühmtesten Werke, war der Vereinigten Staaten bereits an der Spitze der kinetischen Kunstbewegung. Die neuen Stile und Methoden, die er verwendet, um seine berühmtesten Stücke zu schaffen brachte ihm den Ort in den 1950er Jahren als der unbestrittene Führer der kinetischen Maler, wurde seine Arbeit mit Aktionsmalerei von Kunstkritiker Harold Rosenberg in den 1950er Jahren geprägt, verbunden. Pollock hatte einen ungehinderten Wunsch, jeden Aspekt seiner Bilder zu animieren. Pollock immer wieder sagte er sich: "Ich bin in jeder Malerei". Er verwendete Werkzeuge, die meisten Maler nie benutzen würde, wie Stöcke, Kellen, und Messer. Die Formen schuf er gab, was er dachte, war "schön, erratische Objekte".

Dieser Stil in seine Tropftechnik entwickelt. Pollock immer wieder nahm Eimer Farbe und Pinsel und schnippte sie herum, bis die Leinwand wurde mit Wellenlinien und zerklüfteten Striche bedeckt. In der nächsten Phase seiner Arbeit geprüft Pollock seinen Stil mit ungewöhnlichen Materialien. Er malte sein erstes Werk mit Aluminiumfarbe im Jahr 1947 mit dem Titel Kathedrale und von dort aus versuchte er sein erstes "Spritzer", um die Einheit des Materials selbst zu zerstören. Er glaubte von ganzem Herzen, dass er die Materialien und die Struktur der Kunst aus ihrer Zwangs Entbindungen zu befreien, und das ist, wie er an der beweglichen oder der kinetischen Kunst, die immer existiert angekommen.

Max Bill

Max Bill wurde eine fast vollständige Schüler von der kinetischen Bewegung in den 1930er Jahren. Er glaubte, dass der kinetischen Kunst sollte aus rein mathematischer Sicht ausgeführt werden. Für ihn, mit mathematischen Prinzipien und Vereinbarungen waren eine der wenigen Möglichkeiten, die Sie könnten objektive Bewegung zu schaffen. Diese Theorie zu jedem Kunstwerk schuf er aufgebracht und wie er es erstellt. Bronze, Marmor, Kupfer und Messing waren vier der Materialien, die er in seinen Skulpturen verwendet. Er genoss auch trickst das Auge des Betrachters, wenn er oder sie sich zunächst an einer seiner Skulpturen. In seinem Aufbau mit Suspended Cube schuf er eine mobile Skulptur, die im Allgemeinen scheint perfekte Symmetrie haben, aber sobald der Betrachter blickt auf sie von einer anderen Seite, gibt es Aspekte der Asymmetrie.

Mobiles und Skulptur

Max Bills Skulpturen waren nur der Anfang der Stil der Bewegung, die kinetische erforscht. Tatlin, Rodtschenko und Calder vor allem nahm die stationäre Skulpturen des frühen 20. Jahrhunderts und gab ihnen die geringste Bewegungsfreiheit. Diese drei Künstler begann mit der Prüfung unberechenbaren Bewegung, und von dort aus versucht, die Bewegung ihrer Figuren mit technologischen Verbesserungen zu steuern. Der Begriff "Handy" kommt aus der Fähigkeit, zu ändern, wie die Schwerkraft und anderen atmosphärischen Bedingungen beeinflussen die Arbeit des Künstlers.

Zwar gibt es sehr wenig Unterschied zwischen den Arten von Mobiltelefonen in der kinetischen Kunst, gibt es eine Unterscheidung, die gemacht werden können. Mobiles sind nicht mehr als Handys, wenn der Zuschauer hat die Kontrolle über ihre Bewegung. Dies ist eines der Merkmale der virtuellen Bewegung. Wenn das Stück bewegt sich nur unter bestimmten Umständen, die nicht natürlich sind, oder wenn der Zuschauer die Bewegung sogar leicht, arbeitet die Figur unter virtuellen Bewegung.

Tatlin

Wladimir Tatlin wird von vielen Künstlern und Kunsthistorikern als die erste Person, die jemals eine mobile Skulptur abzuschließen. Der Begriff Mobil erst Rodtschenko Zeit geprägt, ist aber sehr für Tatlins Arbeit. Sein Handy ist eine Reihe von Reliefs aufgehängt, die nur noch eine Wand oder einen Sockel, und es wäre für immer suspendiert bleiben. Diese frühe Mobil wird Contre-Reliefs Liberes Dans L'espace als unvollständiger Arbeit beurteilt. Es war ein Rhythmus, sehr ähnlich wie die rhythmischen Stile von Pollock, die auf der mathematischen Verzahnung der Flugzeuge, die ein Werk in der Luft freihängend erstellt verlassen.

Tatlin hatte nie das Gefühl, dass seine Kunst ein Objekt oder ein Produkt, das einen klaren Anfang und ein klares Ende brauchte. Er fühlte sich über alles, was seine Arbeit war ein Entwicklungsprozess. Viele Künstler, die er freundete sich als das Mobil 1936 wirklich komplette, aber er widersprach vehement.

Rodtschenko

Alexander Rodtschenko, einer der Tatlin Freunde, die seine Arbeit bestand darauf, abgeschlossen war, setzte die Untersuchung von suspendierten Handys und erstellt, was er als "nicht-Objektivismus" zu sein. Dieser Stil war eine Studie über Handys als auf Leinwand Bilder und Objekte, die unbeweglich waren weniger konzentriert. Es konzentriert sich auf Nebeneinander Objekte unterschiedlicher Materialien und Texturen als eine Möglichkeit, neue Ideen im Kopf des Betrachters zu wecken. Durch Ihre Diskontinuität mit der Arbeit, angenommen, der Betrachter, dass die Figur von der Leinwand oder dem Medium bewegen, auf die sie beschränkt war. Einer seiner Leinwandarbeiten mit dem Titel Dance, verkörpert eine objektlose Komposition, dass Wunsch, Gegenstände und Formen von verschiedenen Texturen und Materialien zusammen stellen, um ein Bild, das im Fokus des Betrachters zog erstellen.

Doch von den 1920er und 1930er Jahren fand Rodtschenko einen Weg, um seine Theorien von nicht-Objektivismus in Mobilstudie zu integrieren. Seine 1.920 Stück hängende Bauform ist ein Holz Mobil, die von jedem Decke hängt an einer Schnur und dreht sich natürlich. Diese mobile Skulptur hat konzentrischen Kreisen, die in mehreren Ebenen existieren, sondern die gesamte Skulptur horizontal und vertikal dreht nur.

Calder

Alexander Calder ist ein Künstler, der viele glauben fest definiert und genau die Art von Mobiltelefonen in der kinetischen Kunst. Über Jahren Studium seiner Werke, behaupten viele Kritiker, dass Calder wurde von einer Vielzahl von Quellen beeinflusst. Einige behaupten, dass die chinesischen Windbells waren Objekte, die die Form und Höhepunkt seiner frühesten Handys ähnelte. Andere Kunsthistoriker behaupten, dass die 1920er-Handys von Man Ray, einschließlich Shade hatte einen direkten Einfluss auf das Wachstum von Calders Kunst.

Wenn Calder erste dieser Forderungen zu hören, ermahnte er sofort seine Kritiker. "Ich habe noch nie und wird es nie ein Produkt von etwas mehr als ich selbst zu sein. Meine Kunst ist meine eigene, warum die Mühe besagt etwas über meine Kunst, die nicht wahr ist?" Eines der ersten Handys Calders Mobile war die Arbeit, dass "bewiesen" zu viele Kunsthistoriker, die Man Ray einen offensichtlichen Einfluss auf Calder Stil hatte. Sowohl Shade and Mobile haben eine einzelne Zeichenfolge an einer Wand oder einer Struktur, die es in der Luft hält angebracht. Die beiden Werke haben eine gekräuselte Feature, wenn Luft durch sie hindurch vibriert.

Ungeachtet der offensichtlichen Ähnlichkeiten, Calders Stil Handys erstellt zwei Arten, die heute als Standard in der kinetischen Kunst bezeichnet werden. Es gibt objekt Handys und Handys ausgesetzt. Object-Handys auf Stützen kommen in einer Vielzahl von Formen und Größen, und kann in keiner Weise zu bewegen. Abgehängte Handys wurden zunächst mit farbigem Glas und kleine Gegenstände aus Holz, die auf lange Fäden aufgehängt werden. Object-Handys waren ein Teil Calders Schwellen Stil Handys, die ursprünglich feststehenden Skulpturen waren.

Es kann argumentiert werden, auf der Grundlage ihrer ähnlicher Form und Haltung, dass Calder frühesten Objekt Handys haben sehr wenig mit der kinetischen Kunst oder bewegte Kunst zu tun. In den 1960er Jahren glaubten die meisten Kunstkritiker, dass Calder hatte die Art des Objekts Handys in solchen Schöpfungen wie die Cat Mobil perfektioniert. In diesem Stück, ermöglicht Calder den Kopf der Katze und dem Schwanz unterliegen zufällige Bewegung zu sein, aber sein Körper ist stationär. Calder haben den Trend in abgehängten Handys nicht an, aber er war der Künstler, der für seine scheinbare Originalität mobile Konstruktion erkannt wurde.

Einer seiner ersten suspendiert Handys, McCausland Mobile, unterscheidet sich von vielen anderen modernen Handys, nur weil der Formen der beiden Objekte. Die meisten mobilen Künstlern wie Rodtschenko und Tatlin hätte nie gedacht, solche Formen zu verwenden, weil sie schienen nicht formbar oder auch nur annähernd aerodynamisch.

Trotz der Tatsache, dass Calder nicht die meisten Methoden, die er bei der Erstellung seiner Arbeit verbreiten, gab er zu, dass er verwendet mathematische Zusammenhänge, sie zu machen. Er sagte nur, dass er erstellt eine ausgewogene Mobil mit Hilfe direkter Variation Anteile von Gewicht und Entfernung. Calders Formeln verändert mit jedem neuen Mobil er machte, so dass andere Künstler konnte nie genau imitieren die Arbeit.

Virtuelle Bewegung

Durch den 1940er Jahren neue Arten von Mobiltelefonen, sowie viele Arten von Skulpturen und Gemälde integriert die Steuerung der Zuschauer. Künstlern wie Calder, Tatlin und Rodtschenko produziert mehr Kunst durch die 1960er Jahre, aber sie waren auch gegenüber anderen Künstlern, die auf verschiedene Zielgruppen appellierte im Wettbewerb. Wenn Künstler wie Victor Vasarely entwickelt eine Reihe von der ersten Merkmale der virtuellen Bewegung in ihrer Kunst, kinetische Kunst heftiger Kritik konfrontiert. Diese Kritik blieb für Jahre, bis die 1960er Jahre, als kinetische Kunst in einer Ruheperiode war.

Materialien und Strom

Vasarely hat viele Werke, die als interaktive in den 1940er Jahren zu sein wurden. Eines seiner Werke Gordes / Cristal ist eine Reihe von Kubikzahlen, die ebenfalls elektrisch angetrieben werden. Als er zeigte erste dieser Zahlen auf Messen und Ausstellungen, lud er die Menschen bis zu den kubischen Formen, um den Schalter drücken und starten Sie die Farbe und Licht-Show. Virtuelle Bewegung ist eine Art der kinetischen Kunst, die mit Mobiltelefonen in Verbindung gebracht werden können, aber von dieser Art der Bewegung gibt es zwei weitere spezifische Unterscheidungen der kinetischen Kunst.

Scheinbare Bewegung und Op-Art-

Scheinbare Bewegung ist ein Begriff zur kinetischen Kunst, die nur in den 1950er Jahren entwickelt, zugeschrieben. Kunsthistoriker glaubten, dass jede Art der kinetischen Kunst, die mobile unabhängig von der Viewer war hat scheinbare Bewegung. Dieser Stil umfasst Werke, die von Pollocks drip-Technik bis hin zu Tatlins erste Mobilbereich. In den 1960er Jahren, wenn andere Kunsthistoriker entwickelt den Satz "Op-Art", um optische Illusionen und alle optisch anregende Kunst, die auf Leinwand oder stationär war beziehen. Dieser Satz oft Auseinandersetzungen mit bestimmten Aspekten der kinetischen Kunst, die Handys, die in der Regel stationär sind enthalten.

Im Jahr 1955, für die Ausstellung Mouvements an der Galerie Denise René in Paris, Victor Vasarely und Pontus Hulten förderte in ihrem "Yellow Manifest" einige neue kinetische Ausdrücke basierend auf optischen und Leuchterscheinung sowie Malerei Illusionismus. Der Ausdruck "kinetischen Kunst" in dieser modernen Form erschien zuerst im Museum für Gestaltung Zürich im Jahr 1960, und fand seine wichtigsten Entwicklungen in den 1960er Jahren. In den meisten europäischen Ländern, es in der Regel enthalten die Form der optischen Technik, die vor allem macht von optische Täuschungen, wie zum Beispiel Op-Art, von Bridget Riley vertreten sowie Technik auf Basis von Bewegung durch Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael vertreten Soto, Gregorio Vardanega oder Nicolas Schöffer. Von 1961 bis 1968 GRAV von François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein und Vera Molnár gegründet war eine kollektive Gruppe von optokinetischen Künstler. Nach seiner 1963 Manifest GRAV appellierte an die direkte Beteiligung der Öffentlichkeit mit einem Einfluss auf sein Verhalten, insbesondere durch den Einsatz von interaktiven Labyrinthe.

Moderne Arbeits

Im November 2013 eröffnete die MIT Museum 5000 bewegten Teile, eine Ausstellung der kinetischen Kunst, die Arbeit von Arthur Ganson, Anne Lilly, Rafael Lozano-Hemmer, John Douglas Powers und Takis. Die Ausstellung eröffnet eine "Jahr der kinetischen Kunst" im Museum, mit spezieller Programmierung an die Kunstform zusammen.